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Para la artista de Nashville, Sharon Harms, la naturaleza muerta es todo menos inerte. Y cada objeto que encuentra en sus lienzos rebosa vitalidad y significado.
“Mi arte es hiperrealista, una naturaleza muerta narrativa”, explica. “Es una respuesta al simbolismo que veo en los objetos hechos por el hombre con los que la gente interactúa”.
Entre esos objetos se incluyen modelos anatómicos, juguetes antiguos, máquinas de escribir, figuritas de cristal y recuerdos publicitarios. Sharon los reúne sin una historia específica en mente, guiándose más bien por el simbolismo, la memoria y una intuición que le dice que ciertas cosas pertenecen juntas. Cada composición comienza con un objeto que despierta su curiosidad, algo que parece tener más que decir de lo que aparenta.
A medida que se añaden otros objetos, aparecen conexiones y comienzan a surgir historias inesperadas. «Soy una narradora visual», dice Sharon. «Y eso viene de mi formación en diseño gráfico».
Un diseñador desde el principio
Su trayectoria se remonta a más de medio siglo. Criada en la zona rural del oeste de Michigan, Sharon sabía dibujar con precisión desde muy pequeña. Una de sus primeras fascinaciones artísticas surgió de la colección de enciclopedias Golden Book de su familia. Las portadas presentaban ilustraciones de bodegones con un efecto trampantojo.
“Cuando tenía ocho o nueve años, me pasaba el tiempo mirando esas enciclopedias”, recuerda. “Me fascinaban las portadas de esos libros”.
La idea era simple: «¡Vaya, no sé cómo haces esto, pero me encantaría aprender!»
A los diez u once años, hacía tarjetas de felicitación desplegables, pegando objetos en el interior para que aparecieran al abrir la tarjeta. «Siempre tuve esa vena de diseñadora y creadora», dice Sharon. «Yo era de esas niñas que decían: «¡Yo también puedo hacer eso!»»
A los dieciséis años, ese instinto se había convertido en una profesión. En 1973, mientras aún cursaba la secundaria, Sharon tuvo la oportunidad de trabajar como aprendiz en un estudio de diseño gráfico para obtener créditos académicos. Nunca abandonó realmente la industria.
Se graduó a los diecisiete años y posteriormente se matriculó a tiempo parcial en el Kendall College of Art and Design en Grand Rapids. Sin dinero ni apoyo familiar, Sharon vivió en la YWCA, donde con el tiempo se convirtió en la encargada de fin de semana de un centro que albergaba a personas sin hogar, con problemas de adicción y víctimas de violencia doméstica.
Sin embargo, incluso allí, su formación en diseño continuó. Sus amigas de la escuela ayudaron a Sharon a convertir el sótano de la YWCA en un estudio improvisado, y al poco tiempo empezaron a acudir a ella para recibir clases.
“En ese momento ya llevaba tres años trabajando en diseño gráfico y dirección artística”, dice. “Y sabía muchas cosas técnicas que a los demás chicos no les enseñaban en la escuela”.
Sharon podía tener entre tres y diez estudiantes reunidos alrededor de una mesa mientras trabajaba, criticaba sus proyectos y les mostraba técnicas.
Finalmente, al no poder costear la matrícula, dejó la escuela después de un año. «Pensé que si estaba capacitada para enseñar, ¡no necesitaba ir a la escuela!»
En aquel entonces, Sharon se consideraba más diseñadora visual que artista. «Puede sonar arrogante, pero siempre sentí que sabía cómo debían verse las cosas».
Su sueño original era la arquitectura. Proviene de una familia de ingenieros y dice que a menudo se ha sentido más como una de ellos. «Creo que soy una mezcla de diferentes habilidades en muchos sentidos».
Esa combinación de instinto artístico y pensamiento técnico seguiría marcando su carrera.
La disciplina del diseño
En 1977, Sharon regresó a tiempo completo al estudio de diseño donde había comenzado. Aproximadamente un año después, dejó Michigan rumbo a Denver con 200 dólares, una furgoneta y sin contactos.
Vivió en la furgoneta durante un tiempo antes de encontrar otro trabajo de diseño.
Ella admite que la confianza no fue necesariamente lo que impulsó la decisión.
“¡No, nunca lo hice!”, dice cuando le preguntan si se sentía preparada. “Y fui un poco tonta, claro. Pero todo salió bien”.
En aquella época, el diseño gráfico aún requería habilidad para el dibujo. Los bocetos se dibujaban a mano y los directores de arte tenían que comunicar las ideas visualmente antes de que se pudieran producir los diseños finales.
“Antes lo hacíamos todo a mano alzada”, dice Sharon. “Todos nuestros diseños eran dibujos a mano”.
Su carrera despegó rápidamente. Sharon finalmente se unió al departamento interno de diseño gráfico de Adolph Coors Company, donde creó material promocional que llegó a audiencias nacionales e internacionales. Aún con poco más de veinte años, ascendió a un puesto de supervisión, dirigiendo a otros diseñadores y directores de arte.
“Empecé tan pronto que, a pesar de mi corta edad, ya estaba por delante de algunos de mis compañeros de trabajo mayores.”
A lo largo de los años, Sharon trabajó en agencias de ciudades como Cleveland, San Luis, Miami y Nashville, además de realizar trabajos de producción en Los Ángeles y Nueva York. Entre sus clientes figuraban desde empresas regionales hasta marcas nacionales reconocidas, como Coors, Skittles, Twix y productos de Anheuser-Busch.
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Pero el tamaño del cliente nunca fue necesariamente lo importante. Sharon estaba interesada en trabajar para agencias que buscaban «publicidad inteligente que conectara con el público».
El trabajo debe ser interesante. Ingenioso. Inteligente. Divertido.
“Eso es lo que intenté desarrollar, ¡y ese era el objetivo que siempre perseguí!”
Las agencias más pequeñas también le brindaron a Sharon algo que ella valoraba: autonomía.
Podía conocer a los clientes directamente, en lugar de estar aislada de ellos por las capas de una gran organización. «Era buena oyente; en las reuniones, mis clientes hablaban de sus marcas e inmediatamente empezaba a formular ideas sobre cómo contar sus historias».
Con el tiempo, ese enfoque se convirtió en algo fundamental para la forma en que Sharon entendía su profesión.
“La publicidad debe concebirse como una forma de contar historias”, afirma. “Como diseñadora y directora de arte, mi trabajo consistía en dar vida a esas historias visualmente”.
En publicidad, una buena imagen debe complementar el titular. Sus pinturas ahora invierten ese proceso. «Primero pinto la imagen y luego se me ocurre un título que amplía el significado de la obra», explica Sharon.
Cuando el cliente dice “No”
La publicidad también le enseñó a Sharon qué hacer cuando una idea fracasaba.
En un momento dado, desarrolló una campaña para Edy’s Ice Cream que le encantó. Sharon pensó que los carteles propuestos y los anuncios a todo color para revistas eran preciosos y creyó que la campaña podría ganar premios.
El cliente lo rechazó. Sharon quedó devastada y tan enfadada que consideró abandonar el proyecto. Pero su compañera de escritura le ofreció otra perspectiva: «Ahora tienes la oportunidad de hacer algo aún mejor».
El comentario caló hondo. Sharon rediseñó la campaña y la convirtió en un anuncio de periódico en blanco y negro. Según ella, el resultado fue mejor. Se publicó a nivel regional, ganó premios y, finalmente, pasó a formar parte de su portafolio.
“Escuchar eso me cambió”, dice refiriéndose al consejo de su compañera de escritura. “Muchísimo”.
Ella sigue luchando por sus ideas y mantiene opiniones firmes sobre lo que funciona creativamente. Pero el rechazo ya no significa necesariamente la derrota. «Si tienes otra oportunidad, probablemente puedas hacer algo incluso mejor si lo intentas».
Esa lección cobraría especial importancia cuando Sharon finalmente se convirtiera en pintora a tiempo completo.
Tras mudarse a Nashville, trabajó en agencias como The Buntin Group y Lewis Communications antes de dedicarse a la publicidad independiente en el sector sanitario. Entre sus clientes figuraban HCA Healthcare (HCA) y Vanderbilt Health.
El trabajo en HCA creció considerablemente. Sharon contrató diseñadores, un redactor y personal de producción, además de encargarse de los vídeos, el cambio de imagen de marca, la comunicación corporativa y la publicidad.
Para entonces, sentía que décadas de experiencia convergían. «Sentía que toda la experiencia que había acumulado finalmente había dado sus frutos al ejecutar estos proyectos».
Pero el trabajo era agotador.
Sharon tenía previsto jubilarse a finales de 2020. Sin embargo, a principios de ese mismo año llegó la COVID-19 y HCA suspendió indefinidamente todos sus proyectos, ya que las organizaciones sanitarias cambiaron sus prioridades.
Ella lo tomó como una ruptura definitiva.
“Supe inmediatamente que era mi oportunidad de volver al estudio y empezar a pintar de nuevo.”
La pintura siempre había formado parte de sus planes de jubilación. Sharon había intentado dedicarse a ella mientras trabajaba, pero el mundo de la publicidad le dejaba poca energía.
“Siempre llegaba a casa demasiado cansado como para coger un pincel.”
Cuando finalmente terminó su carrera, no había ninguna duda sobre lo que vendría después.
“Cuando me jubilé, no tenía ninguna duda de que iba a volver a pintar.”
Aunque se iniciaba en el mundo profesional de las bellas artes a los 60 años, Sharon no se consideraba partiendo de cero.
“En muchos sentidos, ser mayor fue una gran ventaja para mí”, dice. “Tenía mucha experiencia de vida de la que nutrirme. Me dio una perspectiva y una confianza que no tenía a los 20, 30 o incluso 40 años”.
“Siento que ya era una artista profesional antes de empezar a pintar.”
Creando su propia caja
Sin embargo, surgió un problema inesperado.
Durante décadas, los clientes establecieron los parámetros, y Sharon se encargó de resolver los problemas creativos que surgían dentro de ellos.
De repente, nadie proporcionaba la caja.
“Cuando decidí pintar por primera vez para mí misma, tuve bastantes dificultades”, dice. “Estaba acostumbrada a trabajar en proyectos que partían de una serie de limitaciones”.
Las posibilidades ilimitadas no eran necesariamente liberadoras.
“Cuando te enfrentas a un sinfín de posibilidades, no siempre ves una dirección que te entusiasme. Es como si todo se convirtiera en ruido blanco.”
Sharon se dio cuenta de que las limitaciones podían ser útiles.
“Puedes considerar trabajar dentro de parámetros como estar atrapado en una caja. O puedes optar por ver los parámetros tanto como un filtro como un marco de referencia.”
Su solución fue crear la suya propia.
“Como artista, realmente tienes que saber quién eres, qué haces, qué quieres hacer y por qué quieres hacerlo”, dice Sharon. “Ese es tu límite. Son parámetros que te impones a ti mismo, y puedes ampliarlos”.
“Eso es mucho mejor que simplemente dar manotazos al viento.”
Donde la intuición se une a la precisión
La publicidad también le había inculcado a Sharon otro hábito: la lógica.
“Me siento más cómoda teniendo una justificación para mi enfoque de la pintura”, dice.
Ese razonamiento se vuelve más claro al considerar los artistas y movimientos que la moldearon.
El trampantojo la fascinó desde niña, incluyendo la obra de Claude Yvel. Sharon se esmera en diferenciar sus pinturas del trampantojo tradicional, pero la idea de crear una presencia tridimensional en una superficie bidimensional siempre le ha atraído.
Más tarde llegaron los fotorrealistas.
Los bodegones a gran escala de Audrey Flack se volvieron particularmente influyentes. Sharon también menciona a Chuck Close, Ralph Goings y Richard Estes, cuyas pinturas de reflejos en vidrio dejaron una huella imborrable.
“Normalmente intento representar elementos de vidrio en mi trabajo”, dice Sharon. “Me gusta la idea de poder hacerlo parecer transparente y engañar a la vista”.
Y luego está el surrealismo.
Sharon dice que «simplemente no se cansa» de René Magritte, en particular de su capacidad para acceder a la mente inconsciente manteniendo una técnica precisa.
«Me encanta cómo supo usar los sueños y sortear la lógica, pero haciéndolo con la precisión de un ingeniero o diseñador», dice. Sus propias composiciones surgen de forma intuitiva.
“No hay ningún plan preestablecido”, dice Sharon. “Todo es intuición. Dejo que los objetos me digan qué hacer”.
Para Sharon, ese proceso intuitivo es tan importante como la imagen final. Esta distinción influye en su respuesta a los críticos que cuestionan la utilidad del fotorrealismo en una era de fotografía omnipresente.
Ella cree que esas críticas pasan por alto la motivación artística. Su objetivo al pintar es dar vida, mediante su propia mano, a una presencia plasmada en un lienzo bidimensional.
Una interpretación superficial no tendría la misma resonancia. Tampoco la tendría simplemente tomar una fotografía. «Esa es una perspectiva que impide ver el arte como una proyección personal del artista», afirma.
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La imagen final es solo una parte de lo que importa. “Se trata de la búsqueda del arte, no solo del producto en sí”.
Sharon describe la pintura como una actividad que requiere una concentración intensa. El proceso crea un espacio en el que puede permanecer presente con los objetos, las ideas y las asociaciones que se desarrollan ante ella.
“Tomo ideas intangibles, simbolismos, emociones y pensamientos, y los plasmo en el lienzo a través de los objetos que pinto”, afirma.
“Y en ese proceso de dar presencia a los objetos, soy capaz de experimentar una intensa presencia y concentración en mi interior.”
Para Sharon, el objeto ordinario nunca es, por lo tanto, meramente ordinario.
Una naturaleza muerta puede contener recuerdos, significados culturales, simbolismos y fragmentos de una historia que ni el pintor ni el espectador necesariamente comprenden con solo mirar los objetos individualmente.
«La naturaleza muerta no es un punto final, sino una puerta de entrada», escribe en su declaración de artista. «Mi obra es un espacio donde la intuición y la precisión se encuentran, donde lo imaginado se hace realidad y donde nada permanece simplemente inmóvil».
La obra de Sharon se puede ver actualmente en el Museo de la Aduana hasta el 22 de octubre.
Más allá de esa exposición, ya está pensando en una obra más personal. «Estoy trabajando en una serie de pinturas más personales», dice. «Quiero contar historias concretas de mi vida. Mi forma de pintar es muy lenta, así que también estoy explorando maneras de acelerar el proceso. Tengo muchas historias que contar».
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