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La escultora de técnicas mixtas y artista pública Sherri Warner Hunter ha dedicado décadas a crear instalaciones comunitarias a gran escala en todo el país.
Reconocida por su obra colorida, original y que a menudo invita a la interacción física, su práctica artística combina escultura en hormigón, mosaico y otros materiales. A lo largo de su trayectoria, Hunter ha impartido clases, escrito varios libros sobre las aplicaciones creativas del hormigón y realizado importantes encargos públicos. Su arte ha recibido reconocimiento estatal y nacional, incluyendo su selección entre los 100 mejores en los Premios CODA de 2019 y el Premio al Mérito de la Artesanía de Tennessee en 2021.
Sin embargo, a pesar de todo su éxito, la carrera de Sherri distaba mucho de estar asegurada.
Tras mudarse a Tennessee, Sherri se dio cinco años para consolidar su carrera como artista independiente. Impartiría clases, vendería su obra, buscaría encargos y haría todo lo posible por ganarse la vida con el arte. Si no funcionaba, buscaría un trabajo y seguiría creando arte en su tiempo libre.
A los cuatro años y once meses —un mes antes de la fecha límite que ella misma se había fijado— Sherri recibió su primer encargo de arte público a través de un concurso estatal para crear una escultura para uno de los Centros de Bienvenida de las Interestatales de Tennessee.
Al reflexionar sobre la fecha límite, Sherri dice que «casi» la pierde.
“Casi”, dice. “Pero el Universo me estaba protegiendo”.
Manualidades infantiles
Sherri nació en Salt Lake City, Utah, pero creció con su familia en el este del país, principalmente en Pensilvania, en las afueras de Filadelfia.
Creció en una familia donde hacer cosas era algo natural. «Me considero muy afortunada porque tuve una familia que valoraba mucho los procesos artesanales», afirma.
Cada octubre, su padre comenzaba a asignarles proyectos que la familia podía realizar como regalos navideños personalizados. Hechos con amor y dedicación, estos regalos incluían adornos, taburetes de mimbre y esteras tejidas.
Si bien los regalos y las decoraciones eran para las fiestas, la vida doméstica cotidiana incluía la jardinería, la cocina, la conservación de alimentos y la costura. Esa familiaridad con los materiales acabó por moldear la forma en que Sherri abordaba el arte.
Esa apertura al aprendizaje también tenía sus raíces fuera del hogar. Cuando Sherri estaba en tercer grado, su madre enfermó gravemente de encefalitis y fue hospitalizada.
En los años siguientes, varios adultos mostraron un interés particular en ella, conscientes de lo que su familia había vivido.
Una de ellas era Becky Desmond, su profesora de arte de la escuela secundaria.
“Ella siguió siendo mi mentora y me incluyó en actividades extraescolares muy artísticas”, dice Sherri. “Seguimos siendo amigas a lo largo de los años”.
Desmond se convirtió en uno de los primeros de una sucesión de profesores y mentores que ayudarían a moldear el desarrollo artístico de Sherri.
En 1970, Sherri se matriculó en el Instituto de Arte de Kansas City (KCAI). Al ingresar al programa, esperaba convertirse en pintora. Sin embargo, el programa básico animaba a los estudiantes a explorar una amplia gama de intereses creativos, y Sherri descubrió su interés por la escultura.
Uno de sus instructores, el aclamado artista y educador Willem Volkersz, la introdujo en la arquitectura vernácula, el arte popular, el arte marginal y los entornos construidos por artistas autodidactas.
Esa experiencia tuvo una influencia duradera. Años después, Sherri describiría su especial atracción por el arte que transforma la manera en que las personas se mueven y experimentan un espacio, en lugar de simplemente pedirles que observen un objeto.
Esas primeras influencias se convirtieron en parte de un proceso de aprendizaje acumulativo que daría forma a la carrera de Sherri: la creación artística en su infancia, la mentoría, la educación artística formal, los nuevos materiales, la experiencia profesional y, finalmente, las lecciones que ella misma transmitiría.
En KCAI, sin embargo, el aprendizaje no siempre sería fácil.
O lo haces a lo grande o te vas a casa.
Cuando Sherri asistió al instituto, su departamento de escultura estaba compuesto mayoritariamente por hombres.
Recuerda que, en tono de broma, se referían a ella como la «escuela de escultura de vigas en I y traviesas de ferrocarril».
El ambiente la curtió. «No era para los débiles de corazón», dice. «Había que desarrollar una gran resistencia a las críticas, fueran justificadas o no».
Mientras tanto, Sherri tenía poco interés en aprender a soldar o seguir el modelo dominante de escultura que la rodeaba. En cambio, se inclinó por materiales y técnicas que se basaban en habilidades que ya poseía, en particular la costura.
Mientras el jefe de departamento, Dale Eldred, estaba de viaje con una beca Fulbright, se estaba preparando una sala limpia para equipos electrónicos. Intuyendo que debía tener otro uso, Sherri se apropió del espacio y lo convirtió en un taller de costura.
Tras la reforma, otros estudiantes se volcaron en la nueva «sala de costura» para crear esculturas blandas a gran escala e instalaciones textiles.
“Cuando el jefe de departamento regresó, no estaba especialmente contento”, dice ella.
Varios factores probablemente contribuyeron a la tensión. Los estudiantes habían desvirtuado el uso previsto del espacio por el profesorado, y la tela aún evocaba fuertes connotaciones domésticas y femeninas. Sin embargo, las obras que surgían del taller de costura desafiaban esas expectativas. En lugar de crear piezas pequeñas o delicadas, los estudiantes solían trabajar a gran escala.
Algunas instalaciones eran incluso lo suficientemente grandes como para que la gente pudiera caminar a través de ellas.
El taller de costura les brindó a estudiantes como Sherri un espacio para desarrollar las habilidades e instintos que ya poseían. En lugar de abandonar esas capacidades, podían utilizarlas como punto de partida para la escultura y la instalación.
“En aquel entonces, el trabajo que salía de esa sala solía considerarse uno de los mejores del departamento”, afirma.
También había un principio más amplio en juego. Estudiantes como Hunter no asistían a KCAI simplemente para convertirse en el tipo de artistas que el departamento esperaba que fueran. Estaban allí para descubrir el tipo de artistas en los que querían convertirse.
Esto significaba encontrar los materiales, las técnicas y el lenguaje que les permitieran crear obras según sus propios términos.
Esta experiencia también contribuyó a que Sherri se convirtiera en defensora de otros artistas.
Sus preocupaciones iban más allá del género. Empezó a presionar para que los estudiantes de arte recibieran formación profesional práctica que les ayudara a prosperar fuera del aula: cómo redactar un currículum, preparar una declaración de artista, contactar con galerías y comprender el negocio de mantener una carrera artística.
“Buscaba las herramientas para ser una artista profesional”, afirma.
Encontrar el éxito en el Oeste
El plan inicial de Sherri tras graduarse en KCAI era continuar sus estudios. Fue invitada a solicitar plaza en la prestigiosa Cranbrook Academy of Art en Bloomfield Hills, Michigan, una escuela de posgrado conocida por sus programas de arte, arquitectura y diseño, por el director del departamento textil, Gerhardt Knodel, después de que este visitara KCAI y viera su trabajo.
Sherri fue aceptada en Cranbrook, pero se dio cuenta de que no podía costearse los estudios. Obligada a cambiar de planes, finalmente redujo sus opciones a dos destinos: Nueva York o Los Ángeles.
Recordando aquella decisión, comenta: «Pensé: ‘Prefiero estar abrigada si voy a ser una artista que pasa hambre'».
Tras mudarse a Los Ángeles en 1974, Sherri encontró rápidamente oportunidades que no habría tenido en otro lugar en esa etapa de su carrera. Trabajó como freelance, ayudó a fundar galerías, cursó un posgrado en la Universidad de Claremont, organizó exposiciones e impartió conferencias en los departamentos de arte de la Universidad de California sobre desarrollo profesional para artistas.
En muchos sentidos, la ciudad se convirtió en un campo de pruebas para las preguntas que Sherri ya se había planteado como estudiante de pregrado: ¿Cómo puede un artista construir una carrera sostenible?
Años después, Sherri sigue mostrándose reacia a prescribir un único camino para los artistas más jóvenes.
Si alguien se siente atraído por una gran ciudad y tiene los medios para mudarse, no ve ninguna razón para resistirse a la idea.
“Si tienes la pasión y los recursos, inténtalo”, dice.
Al mismo tiempo, cree que el panorama ha cambiado. La tecnología ahora permite a los artistas crear audiencias, mantener redes profesionales y participar en comunidades creativas desde lugares que habrían sido mucho más aislados en 1974.
“No existe una fórmula que funcione para todos.”
Tras aproximadamente una década en Los Ángeles, Sherri regresó a Kansas City y finalmente se convirtió en Directora de Servicios de Orientación Profesional y Exalumnos en KCAI. En ese cargo, estableció el primer curso de desarrollo profesional acreditado de la escuela.
Fue un momento crucial para Sherri. Durante su etapa universitaria, había abogado por que los artistas recibieran una mejor preparación para la vida después de la universidad. Años después, regresó a KCAI en un puesto desde el que podía contribuir a crear precisamente ese tipo de apoyo.
Su trabajo fue significativo y Sherri pudo influir en la forma en que KCAI preparaba a los jóvenes artistas para sus carreras profesionales. Desde ese puesto, pasó a ser Directora de Educación Continua, donde desarrolló programas de arte tanto para adultos como para niños. Pero cuanto más se adentraba en la administración artística, más se alejaba de su propia práctica artística.
Finalmente, abandonaría el instituto y volvería a dedicarse al arte.
Un estudio en el campo
Tras regresar a Kansas City, Sherri conoció a su marido, Martin. Martin trabajaba en la industria de la imprenta y, con el tiempo, le ofrecieron un trabajo en Nashville.
Martin y Sherri hablaron sobre la oferta, y Sherri aceptó mudarse a Nashville con una condición: «Si nos mudamos por tu trabajo, el siguiente traslado será por el mío».
Fue entonces cuando Sherri decidió darse cinco años para consolidarse como artista independiente.
Daba clases, vendía sus obras, buscaba encargos y hacía todo lo posible por ganarse la vida con el arte. Si no funcionaba, buscaba un trabajo y seguía creando arte en su tiempo libre.
Con ese entendimiento, la pareja dejó Kansas City para ir a Nashville y se estableció en East Nashville. Una vez allí, Sherri continuó enseñando, desarrollando sus talleres de estudio y vendiendo su obra, e incluso llegó a matricularse en Nashville Tech.
Su motivo para matricularse era práctico: quería aprender a soldar.
Era la misma técnica a la que se había resistido en KCAI. Ahora, sin embargo, Sherri la estaba abordando a su manera y porque su práctica en constante evolución así lo requería.
En este punto de su carrera, también se sentía cada vez más cómoda aprendiendo nuevos procesos por su cuenta, sobre todo, el del hormigón. Sherri explica que una de las cosas más valiosas que le aportó la escuela de arte no fue el dominio de un material en particular, sino la capacidad de aprender por sí misma lo que necesitaba saber.
Su formación en soldadura pronto demostró su utilidad. Por aquel entonces, Victoria Boone, coordinadora de artes visuales en TAC, le comentó a Sherri que el escultor de bronce Russ Faxon buscaba un asistente en Bell Buckle: alguien que supiera soldar y trabajar con diferentes técnicas. Sherri poseía precisamente esa combinación de habilidades.
En aquel entonces, Faxon trabajaba en el encargo de Roy Acuff y Minnie Pearl para el Ryman Auditorium. Sherri le ayudó con algunas soldaduras y con el modelado de los volantes y las flores de Minnie Pearl.
Su trabajo la llevaba con frecuencia a Bell Buckle.
“Vaya, la verdad es que se pone muy bonito una vez que dejas atrás Murfreesboro”, recuerda haber pensado.
Finalmente, le preguntó a Faxon si conocía alguna propiedad en venta. Él le habló de una granja disponible. El dueño era un mecánico conocido como «Sweet Pea» que usaba la propiedad para reparar autos. Había piezas de autos esparcidas por todas partes, mientras que la casa y los edificios aledaños estaban en mal estado. Algunas ventanas estaban cubiertas con madera contrachapada.
Cuando Sherri visitó la propiedad, hizo lo mismo que había hecho antes en KCAI: miró más allá de su estado actual y vislumbró su potencial. Entusiasmada, se lo comentó a Martin, quien posteriormente hizo un viaje especial en motocicleta hasta la propiedad para inspeccionarla personalmente.
A los pocos días, le hicieron una oferta a Sweet Pea. Para el día de Año Nuevo de 1989, ya vivían en Bell Buckle.
Leyendo el ambiente
Cuatro años y once meses después, justo un mes antes de la fecha límite que ella misma se había fijado, llegó su primer encargo de arte público.
Ese primer encargo no solo validó la arriesgada apuesta de Sherri de cinco años, sino que le abrió las puertas a una nueva etapa en su carrera.
A medida que los encargos de arte público se convirtieron en parte habitual de su trabajo, Sherri descubrió que muchos requerían algo que ella considera fundamental para su práctica: comprender cómo interactuarán los demás con su obra.
Un ejemplo es “The Gathering”, que ahora se encuentra instalada en el parque William Edmondson de Nashville. Creada en 2001 con personal del Oasis Center, estudiantes y voluntarios de la comunidad, la obra consistió en que Sherri capacitara a adolescentes del programa PULSE del Oasis Center (People United Leading and Serving Everywhere) para que sirvieran como asistentes en la creación de mosaicos.
Para Sherri, la interacción es importante. Algunas de sus esculturas son aptas para sentarse, otras para escalar. Ya sean diseñadas para sentarse, trepar o simplemente moverse alrededor, muchas de las esculturas de Sherri desafían la expectativa de que los espectadores simplemente se queden de pie observando.
Otro encargo, “La langosta de Ward”, requirió un tipo de atención completamente diferente. Creada para el parque infantil Ward Anderson de Bell Buckle, la obra rinde homenaje a un niño pequeño que falleció en un accidente por ahogamiento.
Sherri sabía que el diseño debía abordarse con cuidado. Su primer impulso fue pintar la langosta de rojo, ya que ese era el color que la mayoría de la gente asociaba con estos moluscos. Sin embargo, las langostas vivas pueden presentar una amplia gama de colores, mientras que el rojo, tan característico de estos moluscos, se asocia principalmente con las langostas cocinadas.
¿Su solución? Preparar dos propuestas: una con una langosta roja y otra con colores pastel. Presentó ambas opciones a los interesados y los invitó a elegir.
Durante ese proceso, Sherri supo que a Ward le gustaba el color rojo y que su abuelo lo había llevado a Red Lobster. Con ese contexto adicional, la decisión quedó clara: la langosta sería roja.
“Cuando acepto un encargo, escucho muchas voces diferentes”, dice. “Intento combinarlo todo para crear una obra que resuene no solo conmigo, sino con la comunidad en general”.
Cometer errores y seguir adelante
Sherri ha dedicado gran parte de su carrera a enseñar, compartir técnicas y aprender mediante la experimentación. Russ Faxon le preguntó una vez cómo podía revelar todos sus secretos. Sherri nunca vio muchas razones para guardarlos.
“Siempre hay un linaje”, dice. “Alguien le enseñó algo a otra persona, la tomó, la modificó, y luego la siguiente persona la modifica”.
Sherri ha hecho lo mismo a lo largo de su propia carrera: aprender nuevos procesos, romper reglas, cometer errores y adaptar lo aprendido al trabajo que tenía por delante.
“Siempre le digo a la gente que puedo escribir los libros porque soy quien más errores ha cometido.”
En la actualidad, parte de esa experimentación se está volcando hacia adentro. Tras décadas de encargos, Sherri intenta reservar más tiempo para sus propias ideas y ser más selectiva con los proyectos que acepta.
“’No’ es probablemente la palabra que más me cuesta decir”, afirma.
A veces, las ideas permanecen en sus cuadernos de bocetos hasta que tiene las herramientas, el tiempo o la perspectiva necesarios para abordarlas de otra manera. Incluso entonces, la primera solución no es necesariamente la mejor.
“Puedo hacer un boceto, tomar notas y luego volver a ello más tarde y darme cuenta: ‘Puedo hacerlo mejor’”.
Porque después de más de cinco décadas creando cosas, el «casi» todavía no logra detenerla.
Para obtener más información sobre Sherri Warner Hunter, visite su sitio web y sus redes sociales .
23 de septiembre de 2026 por Robyn Gentile en Ars Gloria Story
